(cultura) Sister Corita Kent, la monja pop

Probablemente se trate de una desconocida para muchos de nosotros. Fue una artista de alto nivel con la particularidad de haber sido una hermana religiosa, quien, además de observar el mundo y conectar inteligencia y sensibilidad, creó un lenguaje artístico para transmitir el mensaje del amor de Dios a través de las artes visuales. Mucho de su arte refleja e interpreta la situación política actual y es por este motivo que Umbrales rescata la vida y obra de la Hermana Corita Kent.

Vocación creativa
Elizabeth Kent nació en 1918 en el seno de una familia católica en Los Ángeles, California. Al consagrarse cuando tenía 18 años, adoptó el nombre de Corita (“pequeño corazón” en latín) uniéndose al Colegio de las Hermanas del Inmaculado Corazón, donde vivió durante 30 años. Además de convento, el recinto incluía una escuela privada y una universidad donde se enseñaban todo tipo de materias. Fue ahí donde la hermana Corita comenzó como artista, completando estudios en historia del arte. Luego de su formación, quedó al frente del departamento de arte del hoy mítico Immaculate Heart College, un campus que en lo alto de una colina de Hollywood atraía a una bulliciosa tropa de poetas, inventores, diseñadores y cineastas. Allí, compartiendo aulas con Charles y Ray Eames, Corita impartió unas enseñanzas que cortocircuitaron las nociones de creatividad de la época.

 

El arte encarnado en la vida
Para Corita el arte no está ajeno o diferenciado de la vida, sino que está asociado a una práctica cotidiana. Su metodología invitaba a pensar y responsabilizarse sobre el impacto y el sentido de la actividad creativa y el compromiso social. En sus clases, al igual que en su obra, no se usaban ni el arte canónico ni las corrientes artísticas tradicionales, sino que se aprovechaba de todo cuanto tenía a mano, como podían ser las propagandas y carteles publicitarios, los titulares de prensa, artesanías, objetos caseros y sencillos. Parece queenseñaba con la fuerza tractora de una potente marea”, escribe Jan Steward–, lo mismo los enviaba al súper de la esquina que al estudio de artistas, o les mandaba, de un día para otro, “10 dibujos de objetos comunes con tinta y palillos chinos y hechos con la mano no dominante”. Así de extremas y radicales eran las clases de Corita.  Su objetivo era mantener los ojos abiertos; desprenderse de nociones a menudo manoseadas y acomplejadas sobre el arte, y crear relaciones y conexiones distintas –«chispazos», según la editora– que permitieran configurar nuevos sentidos de transformación personal y comunitaria.

 

Conflictos con la Iglesia
Ante la tentación a menudo generalizada de reducir el arte a objetos presuntamente sagrados, sister Corita también entendía la creatividad como una forma de celebración lejos de los rituales pautados o de las festividades de consumo. Con su arte, Corita crea comunidad y permite homenajear la propia alegría y el disfrute de estar en común. No obstante su docencia y vocación, sus simpatías socialistas y sus artefactos de espiritualidad pop incendiaron a sus superiores en la archidiócesis y sobre todo al cardenal anticomunista James Francis McIntyre. En 1968, extenuada y en plena convulsión social y personal, se tomó un año sabático y se trasladó a Boston. Al poco, acabó dejando la congregación junto a un nutrido grupo de religiosas disidentes. En adelante, ya como Corita Kent, expuso por todo el país –de hecho, el MoMa y el Met tienen obra suya–, produjo piezas de arte público e incluso elaboró una campaña de carteles publicitarios basada en la frase «podemos crear vida sin guerra» que ella consideraba «lo más religioso» que había hecho en su vida. Enferma de cáncer desde 1974, murió en 1986. Su legado fue un particular uso del color, la imaginería impactante y la subversión del diseño de consumo rivaliza con lo producido por Warhol o Robert Rauschenberg en la misma década.

A lo largo de los años, el trabajo se  volverá más político y literal. Su trabajo pasa de ser abstracto y figurativo, con piezas religiosas, para convertirse prácticamente en texto y tipografía. Decidió compaginar su faceta religiosa con nuevos proyectos que desarrollaran su lado artístico. Como resultado, sus serigrafías con un mensaje de solidaridad y activismo social calaron en la ciudad de California. Personajes tan relevantes como Andy Warhol se declararon fans de su obra y su magnetismo fue aplastante por interrogar todo tipo de políticas de una forma elegante y sofisticada. Y, por encima de todo, por enviar un mensaje de amor y de esperanza que subvierte la imaginería de la sociedad de consumo en una obra de calado político, espiritual y humanizante. Corita utilizó el lenguaje publicitario para apartarlo de sus fines muchas veces adoctrinantes. Sus serigrafías –técnica que usaba para llegar a las clases populares– intentaban enfatizar el poder del individuo frente a una cultura de masas deshumanizadora. Usó el lenguaje visual de las corporaciones –entre ellas, la Richfield Oil Corporation o la panificadora Wonder Bread– para afirmar los derechos civiles y clamar contra la guerra de Vietnam, el racismo, la misoginia o el hambre.

Observar, conectar, celebrar. Las enseñanzas sobre creatividad
Así se llama el libro en que se recogen sus clases de arte. Allí es donde conoció a su alumna Jan Steward, quien se convirtió en la coautora de este libro híbrido compuesto de arte y pedagogía a partes iguales.  La creatividad era el anhelo que Kent buscaba en cada individuo, consciente del potencial artístico de cualquier persona que se atreviera a demostrarlo. Por ello, este manual combinado con ejercicios y reflexiones referentes al mundo del arte pop y la creatividad resultan fundamentales para un autodescubrimiento sin presiones. Su ideal fue la cohesión social desde la expresión artística, es decir, la unión entre Dios, el Arte y la vida desde una perspectiva profundamente humana. Un sueño que mantuvo hasta el día de su muerte, en setiembre de 1986.

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